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1993 – 1999 Studium der Kunst und Kunstgeschichte | Art and Art History
an der Christian-Albrechts-Universität in Kiel bei | with Barbara Camilla Tucholski


1999 – 2003 Studium der Freien Malerei | Fine Art-Painting an der Muthesius Kunsthochschule in Kiel bei | with Peter Nagel


2003 Diplom | Graduate Degree


ab WS 2020 Lehrauftrag als Künstlerin im Fach Soziale Arbeit (Ästhetische Praxis) an der Universität Vechta


2022 Projektförderung des Landes Niedersachsen


2022 Artist in Residence, Künstlergut Loitz


lebt und arbeitet | lives and works in Achim bei | near Bremen und | and Kiel

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2016 Animatorin/Leiterin des Animationsteams Bremen im Rahmen des animierten Dokumentarfilms 1917 - Der wahre Oktober (90 min) von Katrin Rothe, Berlin

2014/2015 Meisterschülerin bei Jean-François Guiton, Atelier für Zeitmedien, Hochschule für Künste, Bremen

seit 2014 im Vorstand vom Filmbüro Bremen e.V.

2014 Diplom Freie Kunst

2007-2014 Studium der Freien Kunst bei Yuji Takeoka, Achim Bitter, Mia Unverzagt, Christian Haake, Natascha Sadr Haghiaghian und Jean-François Guiton, Hochschule für Künste, Bremen

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Die Bildhauerin und Burg-Absolventin Julia Eichler wurde mit dem 2023 erstmals von der Burg Giebichenstein Kunsthochschule Halle und dem Worpswede Künstlerhaus e.V. vergebenen Worpswede-Stipendium ausgezeichnet. Die Künstlerin überzeugte die Fachjury mit ihrem außerordentlichen Verständnis für das Material Pappmaché sowie der Vielseitigkeit ihrer Arbeiten. Sie erwartet mit Erhalt des Stipendiums Anfang Juli ein dreimonatiger Arbeitsaufenthalt in einer der Atelierwohnungen in Worpswede. Das Stipendium umfasst neben freier Unterkunft eine monatliche finanzielle Unterstützung von 1.600 Euro. Für Materialkosten im Zusammenhang mit der künstlerischen Arbeit im Laufe des Stipendiums steht ein Budget von 1.000 Euro zur Verfügung.

Über alle Abstimmungsrunden hinweg beeindruckten die Werke Julia Eichlers, die 2019 ihr Kunststudium an der BURG abschloss: „Die Künstlerin beweist in ihren Arbeiten eine Vielseitigkeit im Umgang mit dem Material Pappmaché. Immer wieder lotet sie neue Möglichkeiten aus und hinterfragt sowohl Architektur als auch ihr eigenes Material in einem unkonventionellen und künstlerisch spannenden Prozess. Ihre Arbeiten sind zwischen Objekt und Malerei komponiert“, so die Begründung der Jury. Als Bildhauerin beschäftigt sich Julia Eichler mit der Dekonstruktion von Wirklichkeit und der Imagination von Möglichkeiten. So entwickelte sie ein spezielles Abformverfahren, bei dem Oberflächen architektonischer Elemente durch Pappmaché als Trägermaterial reproduziert werden. Es entstehen Negativduplikate mit Realitätsspuren, da neben der abgeformten Textur auch Farbschichten und Materialreste haften bleiben. Die daraus entstandenen Objekte suggerieren auf den ersten Blick Schwere und Stabilität. Ihre tatsächlichen Eigenschaften wie das geringe Gewicht, ihre Flexibilität und Formbarkeit, ermöglichen Konstruktionen, die Statik in Frage stellen und die Funktionalität von Wänden und Mauern ad absurdum führen.

Julia Eichler erhofft sich mit dem Arbeitsaufenthalt einen intensiven Austausch mit der regionalen Kunst- und Kulturszene in Worpswede. „Ich freue mich auf die neue und inspirierende Umgebung. Mein Anliegen ist es, neue Orte und deren Besonderheiten in Worpswede ausfindig zu machen. Daraus ergeben sich zwangsläufig Erweiterungen der Themen und Arbeitsmethoden.“

Über Julia Eichler Julia Eichler absolvierte von 2003 bis 2007 ein Studium an der Hochschule für bildende Kunst Dresden. Im Anschluss studierte sie von 2010 bis 2018 an der Burg Giebichenstein Kunsthochschule Halle in der Studienrichtung Bildhauerei/Figur bei Prof. Bruno Raetsch, dessen Meisterschülerin sie von 2018 bis 2019 war. Die Künstlerin erhielt zahlreiche Auszeichnungen, u.a. 2020 das Graduiertenstipendium des Landes-Sachsen-Anhalt, das Aufenthaltsstipendium des Künstlerhauses Eisenhammer (2021) sowie im Jahr 2022/23 das Arbeitsstipendium NEUSTART KULTUR der Stiftung Kunstfonds Bonn. Im Jahr 2019 war Julia Eichler zudem für den Kahnweiler Preis der Stadt Rockenhausen nominiert. Ihre Arbeiten wurden deutschlandweit in einer Vielzahl von Ausstellungen gezeigt. Zur Website der Künstlerin: www.werk-halle.de.

Fachjury Für die erste Vergabe des Worpswede-Stipendiums konnte mit Bhima Griem (Künstlerische Leitung, Künstlerhäuser Worpswede e.V.), Dr. Arie Hartog (Direktor Gerhard-Marcks-Haus, Bremen) sowie Prof. Natalie Häusler (Professorin für Malerei/Glas aus dem Fachbereich Kunst der BURG) eine hochkarätige Fachjury gewonnen werden. Den Vorsitz (ohne Stimmrecht) hielt Prof. Rolf Wicker, (Professor für Bildnerische Grundlagen/Plastik, Burg Giebichenstein Kunsthochschule Halle) inne.

Über das Worpswede-Stipendium Die Burg Giebichenstein Kunsthochschule Halle schrieb im Jahr 2022 in Kooperation mit den Künstlerhäusern Worpswede e.V. das 1. Worpswede-Stipendium aus. Das dreimonatige Stipendium dient der postgradualen Förderung von künstlerisch besonders herausragenden Absolvent*innen des Fachbereichs Kunst an der BURG.

Über den Verein Künstlerhäuser Worpswede e.V. Der Verein Künstlerhäuser Worpswede e.V. ist Gastgeber und Unterstützer für professionell arbeitende zeitgenössische Künstler*innen und fungiert als Vermittler ihrer künstlerischen Arbeit und ist damit Impulsgeber für den Ort Worpswede. So sind die Künstlerhäuser Worpswede ein innovatives ländliches Zentrum, das der aktuellen Kunstproduktion zur Verfügung steht: als Aufenthaltsort, als Arbeitsstätte und als Ort der Auseinandersetzung für Worpswede und die Region. Die Künstlerhäuser sind ein Ort für gemeinschaftliche Begegnung und individuelle Konzentration: Für Ko-Kreation und Selbstwirksamkeit. Die Künstlerhäuser fördern gegenwärtige Kunst, Worpswede und die Region. Martin Kausche gründete 1971 den Komplex mit fünf Atelierwohnungen. Die aktuelle Leitung übernahmen im April 2020 Philine Griem und Bhima Griem. Das Land Niedersachsen, der Landkreis Osterholz und die Gemeinde Worpswede unterstützen mit weiteren Partnern wie dem Museumsverbund den Verein.

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Julia Kiehlmann ist freischaffende Künstlerin und Kulturarbeiterin. Sie studierte Malerei und Grafik bei Ute Pleuger und Christine Triebsch an der Burg Giebichenstein Kunsthochschule in Halle. Außerdem war sie 2012/2013 PROMOS-Stipendiatin des Deutschen Akademischen Austauschdienstes (DAAD) an der DAAD Universidad de las Artes in Havanna (Kuba), wo sie Fotografie bei Prof. Ossain Raggi studierte. Mit ihrem Humor, punkiger Ästhetik und subversiven Handlungen kommentiert sie die Leistungsgesellschaft und das Geschlechterverhältnis. Häufig verwendet sie textile Techniken, da diese eine Brücke bilden zwischen dem alltäglichen Leben und ästhetischer Erfahrung. Neben der Arbeit im Atelier, in Galerien und künstlerischen Kollektiven ist sie in verschiedenen kooperativen Projekten an der Schnittstelle zwischen Kunst, Bildung und Vermittlung
tätig. In Worpswede wird sie zum ersten Mal arbeiten und ihre Werke im Rahmen der Ausstellung ›Zwischen den Welten‹ in der Großen Kunstschau präsentieren.

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**Geh‘n tun sie beide nicht.**
_Projektvorschlag „Stipendienstätte der Zukunft 2.0“ von Martina Morger & Lukas Zerbst_

**Idee**: Im Rahmen des Projektes „Geh‘n tun sie beide nicht“ wollen wir das Scheitern von Künstler:innen-Residenzen durch fehlende Residenzresultate genauer unter die Lupe nehmen. Über die nähere Definition dessen, was Stipendienaufenthalte in dem Sinne als misslungen wertet, suchen wir Parameter, die solche sowohl für Institutionen, als auch für Künstler:innen und Gäste lohnenswert und bereichernd machen. Ein besonderes Augenmerk legen wir auf die Verpflichtungen, die Künstler:innen gegenüber der sie einladenden Institutionen annehmen. Stipendienaufenthalte sind zumeist ergebnisorientiert, Künstler:innen sind dazu angehalten etwa in einer Abschlusspräsentation ihre messbaren Produktionserfolge zu präsentieren.
Nur wenige Aufenthalte bieten an, sich ausschließlich Prozesshaftem und Ganzheitlichem zu widmen, fast keine Residenzen bieten Freizeit als einzige Prämisse. Es gilt: creation instead of recreation. Letzteres ist schlussendlich essentiell nicht nur für Lebens- sondern auch Arbeitsprozesse.

**Hintergrund**: Neben Stipendien und Kunstpreisen sind Residenzaufenthalte gerade für aufstrebende Künstler:innen
besonders wertvoll. Nicht nur bindet es sie zeitweise an die generösen Strukturen der jeweiligen Institutionen, auch bergen sie das Potential zumindest temporär eine finanzielle Entlastung zu garantieren, mit der eine unbeschwerte Ausübung der künstlerischen Tätigkeit einhergehen soll, als auch zusätzliche Aufmerksamkeit für die Künstler:innen, die von unschätzbarem Wert für ihre Karrieren ist. Der ständige Leistungsdruck schwebt aber auch hier wie ein Damokles-Schwert und kann einen Dämpfer für eben diese Zeit der Kreation sein.

**These**: Die Vermutung liegt nahe, dass Förderstrukturen so aufgebaut sind, dass sie Künstler:innen in eine unabgesprochene Bringschuld stellen. Sie fördern Produktion, Aufmerksamkeit und liefern eine finanzielle Existenzgrundlage - Jedoch lässt dies oft eine nachhaltige oder gar gesunde Kunstpraxis für Praktizierende und Umwelt nicht zu. Sie fördern eine Praxis ganz im Sinne einer Ellenbogengesellschaft anstelle diejenigen Künstler:innen zu berücksichtigen, die etwa mit einer Beeinträchtigung leben, introvertiert sind oder anderweitig nicht bei turbokapitalistischen Gepflogenheiten mithalten können.

**Methode**: Anhand dieser Thesen möchten wir im Rahmen der Stipendienstätte Parameter ausfindig machen, die zu
einer inklusiven, nicht ausbeutenden und nachhaltigen Arbeits- bzw. Lebenssituation beitragen. Für die Erforschung
untenstehender Fragen führen wir Koversationen mit insgesamt zehn sorgfältig ausgewählten Menschen, um verschiedene Bedürfnisse an eine Stipendienstätte zu eroieren und zusammenzufassen. Die Gesprächinputs drehen sich dabei immer ums Thema Scheitern, um über die Falsifikation einem Best Case auf die Spur zu kom men. Wir als Künstler:innen versuchen dabei selbst uns während des Aufenthalts unserer eigenen Residenz-Utopia anzunähern.
Forschungsfragen: Was macht eine Residenz lebenswert? Wie kann eine bestmögliche Erfahrung kuratiert werden? Was trägt zur Work-Life-Balance bei? Wie kann eine Residenz als organischer Lebensraum gedacht werden? Was kann aktiv dazu beitragen sich nicht selbst auszubeuten bzw. verausgaben? Was kann Architektur und Raumgestaltung zu all dem imaginieren? Wie kann Gemeinschaft während einer kurzen Zeit entstehen? Wie können wir ständiges Arbeiten durchbrechen und Lebensenergie besser einsetzen? Wie kann Kunstproduktion nicht Trauma, sondern Lebensgrundlage sein? Wie können wir radikale Rekreation als aktive MItgestaltung sehen? Was lernen wir vom Scheitern? Gibt es eine Strategie des Scheiterns?

**Ergebnisse**: Um den angestrebten Transformationsprozess zu erfüllen, der sich auf eine Haus, aber auch die
Stipendiat:innen selbst beziehen kann, stellen wir uns einige Dinge von Manifest, Lecture Performance, Essay, Vogelhaus, Wellnesstag für das Team bis zur Entspannungsvideoanleitung vor. Die Form wird aus dem Prozess entstehen.

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Marijana Janevska (1990, Skopje, Mazedonien) ist Komponistin, Geigerin und Sängerin. Sie schloss ihr Violinstudium in der Klasse von Mihailo Kufojanakis und Komposition in der Klasse von Darija Andovska an der Musikfakultät in Skopje ab. Seit 2018 lebt sie in Hannover, wo sie 2020 ihr Masterstudium in Komposition unter der Leitung von Ming Tsao, Gordon Williamson und Joachim Heintz an der Hochschule für Musik Theater und Medien Hannover abschloss. In ihren Arbeiten geht es vor allem um die Erforschung verschiedener Einsatzmöglichkeiten von Text und Stimme zur Produktion des musikalischen Materials und um die Einbeziehung körperlicher Bewegung in die musikalische Geste.

Ihre Stücke wurden auf zahlreichen Konzerten und Festivals aufgeführt, darunter: Musik21 Festival, ZKM Next Generation, Klangbrücken Festival, TRAIECT Festival, Schallfront Reverie(s) Festival, Hell Wach Festival, Musik BIENNALE, Tage für neue Musik in Zürich, TIEM Festival in Teheran, SONEMUS Festival, KotorART, Internationale CSOUND-Konferenz. Sie hat mit zahlreichen Ensembles zusammengearbeitet: Quartet Mivos, PRE-ART, Ensemble Ascolta, Ensemble Adapter, Ensemble Mosaik, Comet Trio, Concerto Ispirato und so weiter.

Sie hat namhafte Preise und Stipendien gewonnen, darunter: Erster Preis beim „9. Pre-Art-Wettbewerb für junge Komponisten“ in Zürich, „Klaus Hubert Kompositionspreis“ für elektronische Musik in Hannover, Stipendien für Komponisten des Niedersächsischen Ministeriums für Wissenschaft und Kultur, Nothilfe/Neustart-Stipendium der Ernst von Siemens Musikstiftung, DMR-Stipendium des Deutschen Musikrats.

Marijana spielt auch zeitgenössische Musik und experimentiert insbesondere mit Stimme, Violine und Elektronik. Seit November 2020 ist sie als Komponistin und Performerin mit dem „Ensemble Zeitstoff“ für Neue Musik, das sie 2020 in Hannover gegründet hat, sehr aktiv.

Derzeit ist sie im Studiengang Soloklasse Komposition an der Hochschule für Musik Theater und Medien Hannover unter der Leitung von Aaron Cassidy eingeschrieben.

Fotocredits: ©JoTitze

Als visuelle Performance- und Klangkünstlerin ist Ilka Theurich (*1971) bekannt für ihre
experimentellen und provokativen Werke, die soziale Normen in Frage stellen und die Grenzen
sozialer Auswirkungen ausloten. Sie untersucht die Auswirkungen von Aktion oder Untätigkeit,
Aktivität oder Politik auf Menschen und Gemeinschaften. Theurichs künstlerische Praxis dreht sich
um Fragen des performativen Kontexts von Raum, horizontaler Demokratie, kritischer Raumpraxis
und Raumpolitik. Theurich studierte Freie Kunst mit Schwerpunkt Klangkunst in Hannover, Berlin
und Tokio sowie Live Art & Performance Studies in Helsinki. In den frühen 2000er Jahren begann sie, ihre eigenen Werke zu schaffen, bei denen es oft um körperliche Ausdauer, mentale Stärke und die Beteiligung des Publikums ging. Theurichs Arbeiten umfassen verschiedene Medien, darunter Insitu-Installationen, Video-/Soundinstallationen, ortsspezifische Performances, Zeichnungen und partizipative Projekte im öffentlichen Raum. Ihre Arbeiten sind roh und intensiv. Ilka Theurich hat in einer Vielzahl von Ländern und Kontexten ausgestellt und ist mit ihren Arbeiten in Galerien, Museen und internationalen Performance-Festivals aufgetreten, darunter das Espacio de Arte Contemporáneo in Montevideo (Uruguay), OPEN International Performance Art Festival in Guangzhou (China), ZERO PLATFORM - International Performance Art Festival in Yangon (Myanmar), und parallel zur 17. Architekturbiennale in Venedig im Giudecca Art District in Venedig (Italien).
 
https://ilkatheurich.blogspot.com/
https://www.instagram.com/ilka.theurich/
 
 


Performance by Ilka Theurich - Photo by Dagmar I. Glausnitzer Smith.JPG

Performance Ilka Theurich - Foto Matthijs Muller - 2020 (3).jpg

Ilka Theurich - OPEN - Gunagzhou - CHINA 2018 - Photo by Marita Bullmann.jpg

**Geh‘n tun sie beide nicht.**
_Projektvorschlag „Stipendienstätte der Zukunft 2.0“ von Martina Morger & Lukas Zerbst_

**Idee**: Im Rahmen des Projektes „Geh‘n tun sie beide nicht“ wollen wir das Scheitern von Künstler:innen-Residenzen durch fehlende Residenzresultate genauer unter die Lupe nehmen. Über die nähere Definition dessen, was Stipendienaufenthalte in dem Sinne als misslungen wertet, suchen wir Parameter, die solche sowohl für Institutionen, als auch für Künstler:innen und Gäste lohnenswert und bereichernd machen. Ein besonderes Augenmerk legen wir auf die Verpflichtungen, die Künstler:innen gegenüber der sie einladenden Institutionen annehmen. Stipendienaufenthalte sind zumeist ergebnisorientiert, Künstler:innen sind dazu angehalten etwa in einer Abschlusspräsentation ihre messbaren Produktionserfolge zu präsentieren.
Nur wenige Aufenthalte bieten an, sich ausschließlich Prozesshaftem und Ganzheitlichem zu widmen, fast keine Residenzen bieten Freizeit als einzige Prämisse. Es gilt: creation instead of recreation. Letzteres ist schlussendlich essentiell nicht nur für Lebens- sondern auch Arbeitsprozesse.

**Hintergrund**: Neben Stipendien und Kunstpreisen sind Residenzaufenthalte gerade für aufstrebende Künstler:innen
besonders wertvoll. Nicht nur bindet es sie zeitweise an die generösen Strukturen der jeweiligen Institutionen, auch bergen sie das Potential zumindest temporär eine finanzielle Entlastung zu garantieren, mit der eine unbeschwerte Ausübung der künstlerischen Tätigkeit einhergehen soll, als auch zusätzliche Aufmerksamkeit für die Künstler:innen, die von unschätzbarem Wert für ihre Karrieren ist. Der ständige Leistungsdruck schwebt aber auch hier wie ein Damokles-Schwert und kann einen Dämpfer für eben diese Zeit der Kreation sein.

**These**: Die Vermutung liegt nahe, dass Förderstrukturen so aufgebaut sind, dass sie Künstler:innen in eine unabgesprochene Bringschuld stellen. Sie fördern Produktion, Aufmerksamkeit und liefern eine finanzielle Existenzgrundlage - Jedoch lässt dies oft eine nachhaltige oder gar gesunde Kunstpraxis für Praktizierende und Umwelt nicht zu. Sie fördern eine Praxis ganz im Sinne einer Ellenbogengesellschaft anstelle diejenigen Künstler:innen zu berücksichtigen, die etwa mit einer Beeinträchtigung leben, introvertiert sind oder anderweitig nicht bei turbokapitalistischen Gepflogenheiten mithalten können.

**Methode**: Anhand dieser Thesen möchten wir im Rahmen der Stipendienstätte Parameter ausfindig machen, die zu
einer inklusiven, nicht ausbeutenden und nachhaltigen Arbeits- bzw. Lebenssituation beitragen. Für die Erforschung
untenstehender Fragen führen wir Koversationen mit insgesamt zehn sorgfältig ausgewählten Menschen, um verschiedene Bedürfnisse an eine Stipendienstätte zu eroieren und zusammenzufassen. Die Gesprächinputs drehen sich dabei immer ums Thema Scheitern, um über die Falsifikation einem Best Case auf die Spur zu kom men. Wir als Künstler:innen versuchen dabei selbst uns während des Aufenthalts unserer eigenen Residenz-Utopia anzunähern.
Forschungsfragen: Was macht eine Residenz lebenswert? Wie kann eine bestmögliche Erfahrung kuratiert werden? Was trägt zur Work-Life-Balance bei? Wie kann eine Residenz als organischer Lebensraum gedacht werden? Was kann aktiv dazu beitragen sich nicht selbst auszubeuten bzw. verausgaben? Was kann Architektur und Raumgestaltung zu all dem imaginieren? Wie kann Gemeinschaft während einer kurzen Zeit entstehen? Wie können wir ständiges Arbeiten durchbrechen und Lebensenergie besser einsetzen? Wie kann Kunstproduktion nicht Trauma, sondern Lebensgrundlage sein? Wie können wir radikale Rekreation als aktive MItgestaltung sehen? Was lernen wir vom Scheitern? Gibt es eine Strategie des Scheiterns?

**Ergebnisse**: Um den angestrebten Transformationsprozess zu erfüllen, der sich auf eine Haus, aber auch die Stipendiat:innen selbst beziehen kann, stellen wir uns einige Dinge von Manifest, Lecture Performance, Essay, Vogelhaus, Wellnesstag für das Team bis zur Entspannungsvideoanleitung vor. Die Form wird aus dem Prozess entstehen.

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Anja Kampmann, geboren 1983 in Hamburg. Ihr Lyrikdebüt ist 2016 der Band ›Proben von Stein und Licht‹ (Hanser). 2018 erschien ›Wie hoch die Wasser steigen‹ (Hanser); der Roman wurde 2019 mit dem Mara-Cassens-Preis für das beste Romandebüt ausgezeichnet und für den Preis der Leipziger Buchmesse und den Deutschen Buchpreis nominiert. Übersetzungen in sechs Sprachen folgten, in den USA war der Roman 2020 Finalist des National Book Award. In Leipzig kuratiert sie die Lesungsreihe ‚Tektonik‘ für Lyrik und Neue Musik. Zuletzt erschien ihr Gedichtband ›Der Hund ist immer hungrig‹ (2021) und ihre Übersetzung von Ilya Kaminskys ›Deaf Republic‹ (2022). Kampmann erhielt für ihr Werk den Rainer Malkowski Preis der Bayerischen Akademie der schönen Künste und zuletzt den Günter Kunert Literaturpreis für Lyrik. Im Herbst 2023 wird ihr Stück ‚Dunst‘ als käme alles zurück‘ (Musik: Elnaz Seyedi) in Donaueschingen uraufgeführt, im November ist sie Poet in residence an der Universität Duisburg/Essen. 2024 Arno Reinfrank Literaturpreis.

Fotografie: © Juliane Henrich

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Artist Statement: 
"Meine Werke sind feministische Erzählungen, in denen ich phantastische und mythologische Elemente verwende, um meine persönlichen, sozialen und politischen Identitäten und Erinnerungen zu hinterfragen. Die Werke spiegeln in Form und Inhalt oft die Vergangenheit wider, während sie gleichzeitig eine entscheidende Verbindung zur Zukunft suggerieren, so als ob es sich um eine Erinnerung an die Zukunft handeln würde. Einwanderung, die jüdische Diaspora, das kollektive Gedächtnis und der Körper als narratives Element spielen in meiner Arbeit eine wichtige Rolle.

Meine künstlerische Perspektive ist durch meinen eigenen Migrationshintergrund geprägt: Ich bin in den USA und Israel aufgewachsen, bevor ich selbst nach Deutschland zog, und bin eine Mischung aus sephardischen und aschkenasischen jüdischen Eltern. Meine bisherigen Arbeiten sind eine multimediale Mischung aus Text, Installation, Audio, Video, Collage und Fotografie; ich verwende das Medium, das am besten zum Konzept des Projekts passt."

Abbildung: July_Five Chapters.00_06_27_07.Still079, Sarai Meyron


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Philipp Henkel is a German composer, curator and multimedia artist based in Hanover. In his music, gestural instability and extended expressionism transform the subjective listening experience. His compositions and multimedia works explore the impact of technology and societal failure through a research-based approach.
His music has been performed by ensembles such as Trio Recherche, Quasar, Ax and Pile, Musikfabrik and Hand Werk in Europe, Asia and North America. Recent premieres took place in the Sprengel Museum in Hanover, at Unerhörte Musik in the BKA Theater and Heimhathafen Neukölln in Berlin, as well as in Kanazawa and Tokyo.

In addition to his artistic work, Philipp is also active as a speaker at various conferences. He has already given several lectures at the ZKM and at the Csound conference in Cagli, Italy. His activities as a producer and sound engineer can be heard on several recordings and publications. Philipp completed his composition studies at the Hannover University of Music, Theater and Media with Prof. Ming Tsao, Prof. Gordon Williamson and Joachim Heintz. During this time he was a two-time Germany scholarship holder and took part in master classes. During his studies, Philipp was involved in university politics, first in the student parliament and later in the AStA of the HMTMH as well as in the examination board for composition. As a student representative, he helped initiate the network of North German student councils and the nationwide association of student councils at German music universities (STUM).

Philipp Henkel is co-founder and director of the collective for new music and media neuMERZ, as well as a member of Radiant8, an ensemble for contemporary music in Düsseldorf, and artistic director of Ensemble Quarks.




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Alexander Krützfeldt ist Reporter und Buchautor, konzipiert Serien und arbeitet gelegentlich als Ghostwriter. 2018 erschien seine hochgelobte Reportagereihe "Acht Häftlinge" in der Süddeutschen Zeitung sowie sein Buch "Letzte Wünsche" bei Rowohlt. Seine Reportagen wurde mit dem Georg-Schreiber-Preis und beim Günter Wallraff Preis für kritischen Journalismus ausgezeichnet. Außerdem gewann er als Team den Deutschen Fernsehpreis sowie den Grimme-Preis mit Krautreporter. 

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Dies ist ein **Text**
Helena Rafalsky und Jonathan Heck verbinden in ihrer gemeinsamen Arbeit seit 2022 unter mikado.x zusammen mit einem Netzwerk aus Planer!innen und Handwerker!innen eine künstlerische, planerische und handwerkliche Raumpraxis. Das Bestehende soll wertgeschätzt und nur durch Notwendiges ergänzt werden. 
Somit liegt ihr Fokus auf dem was schon da ist und den Dingen und Beziehungen die fehlen, um sozial und ökologisch nachhaltige Räume in kooperation mit anderen zuschaffen und zu erhalten.

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**Cras dapibus. Vivamus elementum semper nisi.** Aenean vulputate eleifend tellus. Aenean leo ligula, porttitor eu, consequat vitae, eleifend ac, enim. Aliquam lorem ante, dapibus in, viverra quis, feugiat a, tellus. Phasellus viverra nulla ut metus varius laoreet. Quisque rutrum. Aenean imperdiet. Etiam ultricies nisi vel augue. Curabitur ullamcorper ultricies nisi. Nam eget dui. Etiam rhoncus. Maecenas tempus, tellus eget condimentum rhoncus, sem quam semper libero, sit amet adipiscing sem neque sed ipsum. Nam quam nunc, blandit vel, luctus pulvinar, hendrerit id, lorem. Maecenas nec odio et ante tincidunt tempus. Donec vitae sapien ut libero venenatis faucibus. Nullam quis ante. Etiam sit amet orci eget eros faucibus tincidunt. Duis leo. Sed fringilla mauris sit amet nibh. Donec sodales sagittis magna. Sed consequat, leo eget bibendum sodales, augue velit cursus nunc,

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Victor Artiga Rodriguez ist ein interdisziplinärer
Künstler aus El Salvador, der sich in seiner
Arbeit mit der Konvergenz von Poesie, Körper und
digitalen Technologien konfrontiert sieht. Vor
allem durch Video und Performance untersucht er
neue Formen der Narration, die über
Dekolonisierung und Nostalgie erzählen. Er lebt
und arbeitet derzeit in Bremen, Deutschland. 

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Raimar Stange lives and works as a freelance art publicist and curator in Berlin. He publishes regularly in specialist magazines such as Kunst-Bulletin, Zurich, Monopol, Berlin, artmagazinecc, Vienna, and Artist, Bremen. He has written numerous catalog texts in recent decades, including on Monica Bonvicini, Olaf Nicolai, Peter Friedl, Silke Wagner, and Dan Perjovschi. He currently curates exhibitions on topics such as climate catastrophe, post-democracy, and feminism. As a bassist, Stange is a founding member of the Berlin Art Critic Orchestra.



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Petros Leivadas wurde am 17.02.1990 in Thessaloniki, Griechenland, geboren. Er begann seine musikalische Ausbildung im Alter von fünf Jahren und nahm während seiner gesamten Grund- und Sekundarschulzeit Unterricht an einem privaten Konservatorium. Er studierte (und machte seinen Abschluss) an der Abteilung für Musikstudien der Aristoteles-Universität Thessaloniki. Seit 2013 lebt und arbeitet er als Komponist/Performer in Hannover, wo er sein Master- und Soloklassenstudium in Komposition an der Hochschule für Musik, Theater und Medien Hannover absolvierte. Derzeit promoviert er im Fach Komposition (Prof. M. Lapidakis) an der Fakultät für Musikwissenschaft der Aristoteles-Universität
Thessaloniki.

(Foto: Sascha Andre Hahn)

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Composer/sound artist Danbi Jeung is in the midst of a multidisciplinary artistic work, combining music, performance, video and sound installation. Now she has been exploring humor in art, trying to have humorous and satirical themes and incorporating theatrical elements into her works.


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Grew up in Tokyo, Japan. While studying Social Science at Hitotsubashi University, he participated in a project interviewing survivors of the Nagasaki atom bomb. Following the accident at Fukushima Daiichi Nuclear Plant, he decided to move to Germany in 2012. "Robert“ (2019) are the encounters with a homeless person in summer. Studied in the classes of Prof. Candice Breitz, Prof. Eli Cortiñas and Prof. Michael Brynntrup at Brunswick University of Art. 

神戸のコミュニティメディアで働いた後、2012年ドイツへ移住。ブラウンシュバイク美術大学でCandice Breitz、Eli Cortiñas に師事。Diplom、Meisterschülerの学位を取得。オーバーハウゼン国際短編映画祭、イメージフォーラムフェスティバルなどの映画祭で上映。過去の作品に「ヒバクシャとボクの旅」「ロベルト」。

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Marek Sindelka is a poet and writer. He made his debut with the poetry collection Strychnine, for which he was awarded the Jiri Orten Prize in 2006. He is the author of the novel Aberrant, which was later published as a graphic novel. His next book, Map of Anna, was a collection of short stories that was well received by the public. He has twice won
received the Magnesia Litera Prize for prose, first for the short story collection Stay Tuned and then for the novel Material Fatigue. His most recent publication was the graphic novel Saint Barbora. As a screenwriter, he has collaborated with directors Michal Noheil, Václav Kadrnka and Martin Marecek. His screenplay (together with Voitèch Masek) for the film Occupation was awarded the Czech Lion for Best Screenplay.



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In ihrer künstlerischen Arbeit beschäftigt sich Lea Schürmann mit der Rolle von Filtern, Sprache und Zeichensystemen bei der Entstehung von Bedeutungen. Indem sie die strukturellen Logiken eines bestimmten Kontextes dekonstruiert, filtert und neu zusammensetzt, schafft sie Skulpturen und Installationen, die die Wahrnehmung ihrer jeweiligen Umgebung verschieben und die Fragilität von menschengemachten Systemen hervorheben. Ihr Interesse gilt Träumen, Halluzinationen und Geistern, Erinnerungen und Vergessen, falschen Identitäten, Déjà-vus und Doppelgängern und damit verbunden der Fragilität allgemeingültiger Konzepte von Wahrheit und Realität.

Lea Schürmann studierte von 2013 bis 2019 an der Hochschule für Bildende Künste Braunschweig (HBK) und an der Malmö Art Academy in Schweden. Sie studierte u.a. bei Hartmut Neumann und Anne Pöhlmann und schloss ihr Studium 2019 mit einem Diplom bei Raimund Kummer an der HBK ab. Ihre Arbeiten wurden in Einzel- und Gruppenausstellungen in Deutschland, den Niederlanden, Dänemark und Schweden gezeigt. Sie hat mehrere Stipendien erhalten und ist derzeit Jahresstipendiatin des Niedersächsischen Ministeriums für Wissenschaft und Kultur. Lea Schürmann lebt und arbeitet in Hannover.


Derzeit anwesend

Bisherige Stipendiat:innen